이소정은 이화여자대학교 한국화과와 서울대학교 대학원 동양화과를 졸업했다. 동양화를 기반으로 추상적 회화 질서를 구축해왔으며, 개인의 경험과 욕망을 바탕으로 회화의 조형 언어와 표현 방식을 지속적으로 탐구하고 있다.
이소정은 두산갤러리 서울·뉴욕(2013), 갤러리2(2011, 2016, 2019), P21(2021) 등에서 개인전을 개최했다.
이소정은 서울시립미술관(2008), 갤러리현대 강남(2011), 금호미술관(2012, 2019), 제주도립미술관(2014), 아라리오뮤지엄 탑동바이크샵(2016) 등에서 열린 단체전에 참여했다.
이소정은 2011년 제2회 두산연강예술상 시각예술 부문을 수상했다.
이소정은 2007년 국립창동미술창작스튜디오 제5기 장기입주작가로 선정되었으며, 2013년 두산레지던시 뉴욕에 참여했다.
이소정은 이미지가 생성되고 관계를 맺으며 하나의 화면으로 완성되는 과정을 탐구해왔다. 초기 작업에서는 신체와 생명, 욕망을 연상시키는 유기적 형상을 중심으로 개인의 경험과 무의식을 비언어적 서사로 풀어냈으며, 이후에는 화면 안에서 우연과 필연, 자율과 통제가 교차하는 구조 자체를 작업의 핵심 개념으로 확장해왔다. 작가에게 회화는 이미지를 재현하는 공간이 아니라, 서로 다른 요소들이 관계를 형성하며 새로운 질서를 만들어가는 장이다.
그의 작업은 언제나 '완성된 이미지'보다 '이미지가 만들어지는 과정'에 관심을 둔다. 화면은 작가가 일방적으로 지배하는 대상이 아니라 재료와 시간, 우연한 물성이 함께 작동하는 환경이며, 작가는 그 안에서 발생하는 현상을 읽고 조율하는 존재로 위치한다. 이러한 태도는 자동발생적 드로잉과 기호 체계, 매뉴얼 구조, 템플릿, 그리고 최근 한지의 물성과 우연한 흔적을 적극적으로 활용하는 작업으로 이어지며, 이미지의 생성 원리를 지속적으로 갱신해왔다.
최근 작업에서 이러한 관심은 관계와 돌봄의 문제로까지 확장된다. 출산과 육아 경험은 작가에게 통제의 개념을 새롭게 인식하는 계기가 되었으며, 화면 역시 지배하거나 완성해야 하는 대상이 아니라 자율성을 가진 존재와 공존하는 관계로 이해되기 시작했다. 재료가 스스로 만들어낸 흔적을 존중하고, 그 안에서 이미 존재하는 형상을 발견해 드러내는 현재의 작업 방식은 우연을 배제하는 대신 그것을 화면의 구성 원리로 받아들이는 태도를 보여준다.
이처럼 이소정의 작업은 개인적 경험에서 출발하지만 자전적 고백에 머물지 않는다. 기호와 이미지, 재료와 행위, 작가와 화면 사이에 형성되는 관계를 통해 생성과 변화의 과정을 탐구하며, 회화를 고정된 결과물이 아니라 끊임없이 조정되고 갱신되는 하나의 생태계로 바라본다. 이러한 문제의식은 초기의 신체 이미지에서 최근의 추상적 화면에 이르기까지 서로 다른 형식을 관통하며 작업 전반의 개념적 기반을 이루고 있다.
이소정의 회화는 재료와 과정, 이미지가 상호작용하며 화면을 구축하는 방식에 기반한다. 작가는 먹과 안료, 아크릴, 한지와 장지 등 동양화의 재료를 주로 사용하지만, 이들을 전통적인 표현 매체로 다루기보다 이미지 생성의 조건으로 활용한다. 종이에 스며든 먹의 흔적, 건조 과정에서 생긴 주름, 겹겹이 배접된 장지의 층위와 안료의 축적은 화면을 구성하는 물질적 기반이 되며, 작가는 그 위에서 드러나는 형상을 발견하고 조율해 나간다.
작업 과정은 엄격한 방법론과 우연한 물성 사이를 오가는 구조를 가진다. 초기에는 기호와 매뉴얼, 모양자(template) 등 논리적인 규칙을 설정한 뒤 자동발생적으로 이미지를 전개하는 방식을 탐구했으며, 최근에는 재료가 스스로 만들어낸 흔적과 현상을 적극적으로 수용하는 방향으로 확장되었다. 화면에 남겨진 우연한 흔적은 새로운 형상을 발견하기 위한 단서가 되고, 작가는 그 위에 최소한의 개입을 더하며 이미지를 완성한다. 이러한 방식은 이미지를 창조하기보다 잠재된 형상을 발견하고 드러내는 과정에 가깝다.
형식 역시 지속적으로 변화해왔다. 초기 작업에서는 신체를 연상시키는 유기적 형상과 가위, 거울, 화살표, 문장부호 등 상징적 기호가 함께 등장하며 서사를 형성했다. 반면 최근 작업에서는 구체적인 도상이 점차 사라지고, 색면과 층위, 물질의 질감이 중심을 이루는 보다 추상적인 화면으로 전환되었다. 형태는 특정 대상을 지시하기보다 재료와 과정이 만들어낸 관계의 결과로 제시되며, 화면은 축적과 침식, 생성과 소멸의 시간이 공존하는 공간으로 기능한다.
이처럼 이소정의 회화는 치밀하게 설계된 구조와 재료의 자율성이 균형을 이루며 전개된다. 화면은 즉흥적인 표현의 결과가 아니라 반복적인 수행과 조율을 통해 완성되며, 먹과 종이가 지닌 물성을 현대적인 조형 언어로 확장한다. 이러한 형식적 실험은 재료의 가능성을 탐색하는 데 그치지 않고, 회화가 이미지를 생성하는 방식 자체를 질문하는 작업으로 이어지고 있다.
이소정의 작업은 표현 방식과 형식은 꾸준히 변화해왔지만, 화면이 스스로 생성되고 성장하는 과정을 탐구하려는 관심은 초기부터 현재까지 일관되게 이어져 왔다. 학부 시절부터 자동발생적으로 증식하는 형상과 반복되는 패턴에 주목했던 그는, 대학원 시기에는 신체와 기호를 결합한 유기적 화면을 구축했고, 이후에는 매뉴얼과 템플릿, 기호 체계를 도입해 이미지 생성의 규칙과 자율성에 대한 질문을 심화시켰다. 최근에는 종이와 먹, 안료가 만들어내는 우연한 흔적을 적극적으로 작업의 출발점으로 삼으며, 재료와 작가가 함께 화면을 만들어가는 관계 자체를 탐구하고 있다.
이러한 변화는 단절이라기보다 이전 작업에서 도출된 방법론이 새로운 조건 속에서 확장된 결과에 가깝다. 작가는 하나의 작업에서 발생한 형상이나 부산물을 다음 작업의 출발점으로 삼으며, 이미지를 끊임없이 변주하고 재구성하는 방식을 지속해왔다. 이전 작업의 일부는 새로운 화면의 모체가 되고, 한 번 만들어진 형상은 다른 구조 속에서 다시 증식하거나 해체된다. 이처럼 하나의 작업이 다음 작업을 생성하는 연쇄적 구조는 이소정 회화를 관통하는 중요한 방법론으로 자리하고 있다.
작업의 변화에는 개인적 경험 역시 중요한 계기로 작용했다. 초기에는 이미지를 통제하고 질서를 구축하는 방식에 관심을 두었다면, 출산과 육아를 경험한 이후에는 재료가 스스로 만들어내는 우연성과 자율성을 적극적으로 수용하기 시작했다. 이는 작업의 형식을 변화시켰지만, 우연과 필연, 통제와 자율, 생성과 관계에 대한 질문은 오히려 더욱 확장되었다. 작가는 화면을 완전히 지배하는 대신 재료와 협력하며 균형을 찾아가는 과정을 통해 회화의 새로운 가능성을 모색하고 있다.
이처럼 이소정의 작업은 특정한 도상이나 스타일의 반복이 아니라, 이미지가 생성되고 변화하는 원리에 대한 지속적인 탐구를 중심으로 전개되어 왔다. 재료와 방법론은 시대와 환경에 따라 변화했지만, 화면을 하나의 살아 있는 체계로 이해하고 그 안에서 우연과 필연의 관계를 탐색하는 태도는 그의 작업 전반을 일관되게 관통하는 핵심 축이라 할 수 있다.
이소정의 회화는 파편을 다루는 방식에서 출발한다. 그에게 파편은 사라진 전체의 잔여가 아니라, 세계 내부의 간극을 드러내는 흔적이다. 화면 위의 이미지와 재료들은 본래 맥락에서 이탈하여 재배치되며, 그 과정에서 새로운 질서가 생성된다. 여기서 이소정이 호출하는 족보는 흩어진 조각들로 쓰여지는 연속적인 계승(계보)의 또 다른 형식이다. 《세보》는 그러한 파편의 흔적을 따라 재편되는 계보를 탐색하며, 비정형화된 서사로 세계를 이해하려는 이소정의 태도를 조명한다.
전시는 네 가지 축―〈노지 밀식(露地 密植) 1–17〉, 〈세보 世譜〉, 〈채종 採種〉, 〈과숙엽〉으로 구성된다. 이는 모두 이소정의 이전 작업 과정에서 남은 파편을 토대 삼아 제작된 것이다. 각 작업은 익숙한 사물이나 풍경을 이미지의 은유로 삼되, 그것을 불가해한 구조로 재편한다.
이소정은 흩어진 종이들을 다시 모아 검은 먹을 칠하면서 여러 작업을 파생시켰다. 여기서 검은색은 기존의 흔적을 덮는 동시에 완전히 사라지지 않게 내버려 둠으로써 형상의 기점이 된다. 그 위에 덮인 금색의 조형들은 이러한 전개를 한 단계 다음으로 안내하며 비정형적으로 확장되어 가는 그의 작업을 확인케 한다. 파편 사이에서 질서를 찾아내는 퀘스트처럼, 재배치된 실패, 봉합된 중단, 소멸의 전환을 거치며, 연작들은 서로를 가로지른다.
〈노지 밀식〉은 파편들이 모여 하나의 화면을 이루어 가는 과정을 보여준다. 그는 비정형의 바탕에 최소한의 정형한 영역으로 160×70cm와 70×70cm을 상정한 뒤, 8폭의 대작과 작은 정방형 화면들을 구축했다. 이러한 일정한 규칙은 사실, 정해진 틀의 내부와 외부를 막는 경계가 무력화되는 장치로 기능한다.
이전 작업에 쓰이다 탈각된 종이와 보류된 조각들은 그가 상정한 프레임 위를 오가며 형상을 얻고, 경계를 흘러넘는 화면은 불규칙하게 확장된다. 이 과정은 인위적 통제가 배제된 ‘노지’의 조건을 닮아 있다. 외부의 기후와 돌발 변수에 노출된 작물들이 자라나는 상태, 그 예기치 못한 상황과의 마주함이 확장된 장에서의 조형과 질감을 이끌어 낸다. 우연과 개입이 반복되면서, 〈노지 밀식〉은 생존 그 자체의 불확실성을 증명한다.
〈세보〉는 파편의 ‘계보’를 그린다. 〈세보〉는 〈노지 밀식〉과 그 이전 작업들의 파편을 끌어모아 축적한 화면이다. 반복의 반복이 중첩되는 이러한 구성은 세대로 통칭되는 과거의 시간들을 통합하며 자기만의 조형을 물색한다. 마치 ‘자가 증식’하는 듯한 화면은 이소정이 그간 뚜렷한 레퍼런스보다는 자신의 작업을 참조하고 변형하는 방식을 추구해 온 것을 그대로 환기한다. 제목의 ‘세보’는 선형적인 혈통과 계보를 넘어 스스로 축적한 세대들, 일종의 ‘자기 계보’를 생성하는 역설을 획득한다.
즉, 구작의 조각들이 토양이 되어 자기-순환적 생태로 형상을 생성하고, 이 과정에서 금빛 조각들은 봉합, 단절의 흔적을 드러내며 새로운 연결을 생산하는 것이다. 이러한 사유에 이어진 〈채종〉은 직접 제배한 식물에서 씨앗을 수확해 다음 세대를 잇는다는 의미로써 〈노지 밀식〉의 일부를 모체로 삼아 채집한 조각들을 재조합한다.
한편, 천장부에서 바닥까지 길게 늘어진 〈과숙엽〉은 시간의 과잉을 경유한다. 이소정은 세로 길이 4m를 정해 그리기를 이어가며 이미 지나간 부분을 떼고 붙이는 과정을 반복했다. 이때 겹치고 덮인 부분들은 전체 조형의 이미지를 계속해서 변화해 나갔다. ‘과숙엽’은 지나치게 익어버린 잎, 달리 말해 성숙을 넘어 다른 생명을 위한 거름이 되는 순간을 뜻한다. 이는 덧대어진 종이가 매번 다르게 발생시키는 질감, 생장을 멈추지 않는 질감의 구조를 묘사한다.
긴 종이에 일정한 간격으로 찍힌 ‘8’개의 원형 금빛은 ‘8’폭으로 제작된 〈노지 밀식〉의 흐름을 반영한다. 그것은 선행적으로 마련된 이야기의 흔적을 가리면서도 이를 딛고 재편된 질서를 호명하려 한다. 이로써 그의 회화는, 소멸이 아닌 다음의 시작을 준비하는 단계로 전환되는 것이다.
이소정은 파편을 통해 서사를 복원하는 대신, 단절과 불완전성을 생성의 조건으로 삼는다. 파편은 결여와 균열의 증거이자, 그 틈새를 통해 다층적 계보가 발아하는 가능성을 드러낸다. 전시의 제목 ‘세보’가 나타내듯, 그의 작업에서 계보란 혈연적 계승의 도표이기를 멈추고 버려진 잔여와 실패한 흔적들로 다시 쓰이는 기록으로 재생성된다.
검은 종이와 금빛 조각, 비정형적 단편들은 직사각 프레임을 거치고, 흐르고, 수습되고, 이월되면서 새로운 질서를 준비한다. 기록과 생성, 단절과 연결이 중첩되는 구조 속에서, 이소정의 회화는 미완을 긍정하는 태도를 통해 동시대 회화가 마주한 서사의 조건을 다시 묻는다.
