2020년 서울의 Foundwill Arts Society에서 첫 개인전을 열었으며, 실린더(서울, 2021),
Woaw Gallery(홍콩, 2021), Carl Kostyál(런던, 2022), Make Room(로스앤젤레스, 2023), 프리즈
런던(런던, 2024) 등 다수의 기관에서 개인전을 가졌다.
최근에 참여한 단체전으로는 《방으로 간 도시들》(SeMA 벙커, 서울, 2023),
《마테리-델리아》(울산시립미술관, 울산, 2023), 《Wetting
Your Whistles》(아트선재센터, 서울, 2023), 《지금 우리의 신화》(타데우스 로팍, 서울, 2023) 등이 있다.
한선우의 작품은 런던의 The
Perimeter와 브라질 벨루오리존치의 이니마 다 파울라 미술관(Museu Inimá da
Paula)에 소장되어 있다.
한선우는 디지털 네이티브이자
이주자로서, 기술 환경에 의해 재구성되는 정체성과 신체의 의미를 꾸준히 탐구해왔다. 〈삼미신(三美神)〉(2018)이나 〈비너스의 탄생〉(2019) 등의 초기 작업은 미디어
속 여성 신체 이미지의 소비 방식에 주목하며 K-팝, 애니메이션
등 대중문화 속 시청각 기호들을 수집해 재편집하고, 이를 디지털 프린팅과 회화로 번안했다. 이후 그는 이러한 이미지의 생성, 유통, 소비 과정이 인간 신체와 자아 형성에 미치는 영향에 주목하면서, 개인적
경험과 시대적 감각을 접목한 다층적인 회화 세계를 구축한다.
최근의 작업은 디지털
시대의 신체를 불완전하고 가변적인 존재로 상정하며, 그 연약함과 회복 가능성을 동시에 제시한다. 예컨대 〈오래된 땅〉(2022)과 〈피리 부는 여인〉(2024)에서는 기계-건축적 요소와 생물의 요소가 혼합된 형상으로
파편화된 신체의 유한성을 상기시킴과 동시에 정서적 감각과 생명성의 회복 가능성을 시사한다.
한선우는 디지털 감성과
회화적 물성을 결합한 하이브리드 회화 양식을 구축해왔다. 초기에는 포토샵으로 제작한 이미지 콜라주를
캔버스에 부분 인쇄한 후 직접 페인팅으로 덧칠하는 방식(〈난 너의 지니〉, 2020)을 통해, 디지털과 아날로그, 과거와 현재, 동양과 서구 이미지들의 경계를 흐리는 독특한 회화적
질감을 만들어냈다.
팬데믹 시기부터는 캔버스
대신 스틸 위에 아크릴을 칠하는 형식적 확장을 시도한다. 〈춤〉(2020)과
〈수취인불명〉(2020)은 물리적 경계와 매체 감각을 교란시키는 작업인데, 이는 우리 생활이 오프라인에서 온라인으로 옮겨지며 내부와 외부의 경계가 흐려짐을 암시하기도 한다.
그의 회화는 디지털
이미지가 빠르고 평평하게 소비되는 것에 반하여, 이미지의 촉각성과 물질성을 복원하려는 시도를 지속하고
있다. 〈긴 비〉(2023)에서는 내부 공간의 축축한 기후감, 휘어진 금속성 구조물, 뒤얽힌 신체 잔해들을 통하여 감각의 물질적
실재를 되살리며, 기억과 신체, 공간이 교차하는 회화적 감각을
확장시킨다.
〈직공들의 방〉(2024)은 파편화된 여성 신체를 연상시키는 거칠고 주름진 덩어리들을 서구 건축 양식과 앤틱 소품 등의 오브제와
혼합하여 여성 노동의 오랜 역사를 반추하게끔 한다. 작가의 최근 작업들은 이미지와 신체가 모두 소외되는
디지털 시대에 회화가 어떻게 촉각적 경험의 환기를 가능하게 할 수 있는지 질문하게 만든다.
한선우는 디지털 시대의
이미지 유통-소비 구조와 신체와 노동에 대한 비판적 접근을 바탕으로,
페인팅이라는 전통 매체의 경계를 넓힌다. 기술과 감각, 이미지와
신체 간의 충돌을 날카롭게 포착하는 작가는 더욱 유기적이고 정서적인 감각을 회화 속으로 끌어들이며 서정적이고 내밀한 전개로 작품세계를 확장시키고
있다. 특히 〈오래된 땅〉(2022)과 〈직공들의 방〉(2024) 같은 작업은 탈신체화된 이미지의 폐허 속에서도 서사와 감각의 가능성을 발굴하고 있다.
최근에는 회화, 설치, 조각 등 매체를 넘나들며 신체 감각, 디지털 이미지, 기억이 교차하는 지점을 지속적으로 탐구하며 물리적-비물리적 경계를 재조정하고 있다. 오늘날 이미지가 실시간으로 생성, 소비되는 디지털 환경 속에서 한선우의 작업은 ‘촉각적 감각으로 구현된
디지털’이라는 새로운 조형 언어를 제안하며 동시대 미술에서 독창적인 위치를 차지하고 있다.
(왼쪽) 한선우, THE CRIMSON LETTER
(TRIPTYCH), 2022, 캔버스에 아크릴과 서지컬 스틸, 190h ×
380w cm뤽
베송의 90년대 SF 컬트 영화 ‘제5원소’에서는 푸른 피부를
가진 외계인 오페라 가수 디바 플라발라구나(Diva Plavalaguna)가 에릭 세라(Eric Serra)가 작곡한 아리아를 부르며 놀라운 성역과 춤으로 관객을 압도한다. 영화 비하인드 스토리에 따르면, 세라는 이 미래형 오페라가 인간으로서는
소화할 수 없는 곡이 되도록 작곡했는데, 이는 몇 초 내에 고음을 연속적으로 전환해야 하기 때문이다. 그 결과, Diva Dance는 무대 뒤에서 가수 인바 물라 차코(Inva Mula-Tchako)가 각각의 음을 개별적으로 부른 후 컴퓨터상에서 재구성되었다. 이 상징적인 장면에서 디바는 기술의 도움을 받아 인간의 한계를 초월하며 실현 불가능한 것을 이루는 존재로 나타난다.
오늘날
기술은 우리의 몸과 정신에 너무 깊이 융합되어 있어 거의 보이지 않을 정도로 투명해졌다. 대부분의 관객은
디바의 공연에 기계적 요소가 개입되어 있다는 사실조차 인지하지 못했을 것이다. 우리의 의식 뒤편에서
이러한 기술 장치는 단지 신체 기능을 보조하거나 향상시키는 데 그치지 않고, 현실의 제약에서 해방된 ‘확장된 자아’의 생생한 감각을 제공한다. 우리의 신체와 그것이 사회 안에서 맺는 현실 세계와의 상호작용은 지속적으로 데이터로 변환되고 있다. 사이버네틱 확장물이 이토록 투명해진 이 시기에는, 과연 어떤 결핍과
한계가 가려지고 있으며, 어떤 취약성이 하이브리드화된 자아의 표면 아래 은폐되어 있는지를 구분하는 일이
점점 더 어려워지고 있다.
《Invisible Sensations》에서 한선우는 기술이라는 반사적 표면에 의해 흐려진 신체적, 사회적 자아의 보이지 않는 제약과 취약성에 주목한다. 작가는 과거와
최근의 의료적 조건들, 그리고 사회 안에서 마주했던 다양한 한계들을 바탕으로 이 전시의 작업들을 구성한다. 이들은 분리되고 왜곡되거나 제한된 채 존재하는 신체 조각들로, 어떤
몸은 투명하게 희미해지고, 어떤 몸은 탈형체화되며, 또 다른
몸은 구속된 형태로 나타난다. 이러한 형상들은 고통과 투쟁의 이력 혹은 해방을 향한 열망을 담고 있으며, 회화의 화면과 전시장의 구석구석을 채우며, 주변 세계와의 관계, 그리고 내면의 욕망에 응답한다.
작가는
자신의 뼈, 머리카락, 피부 등을 사진이나 스캔 장비를 통해
촬영한 뒤 이미지를 잘라내고, 온라인에서 수집한 이미지 및 3D 모델과
디지털적으로 결합하여 새로운 시각 언어를 구성한다. 이렇게 재조합된 신체들은 원래의 맥락에서 분리된
채 증강된 서사 안에서 다시 배열된다. 이 분절된 몸들은 자신이 지닌 연약함과 생존력을 바라보는 동시에, 기술과의 결합이 자신을 얼마나 보호하거나 해방시킬 수 있을지, 혹은
자신이 속한 환경과 감각적 분위기를 얼마나 변화시킬 수 있을지를 질문한다.
