홍정표는 홍익대학교에서 조소를 전공해 학사와 석사학위를 받았다. 일상 사물을 복제하거나 기하학적 구조를 반복적으로 조합하며, 조각이 만들어지고 변형되는 과정에 주목한다.
홍정표는 갤러리 스케이프(2008), 탈영역우정국(2016), 313아트프로젝트(2017, 2021), 일본 교토의 HRD 파인아트(2018) 등에서 개인전을 개최했다.
홍정표는 서울시립 북서울미술관(2014, 2015), 사비나미술관(2015), 스페이스K 대구(2015), 아트센터 예술의 시간(2023) 등에서 열린 단체전에 참여했다.
홍정표는 2004년 제26회 중앙미술대전 대상과 월간 《미술세계》가 주최한 제10회 신진작가 발언전 우수상을 수상했다.
홍정표는 국립현대미술관 고양레지던시(2008-2009), 프랑스 파리의 시테 국제예술공동체(2010-2011), 서울시립 난지미술창작스튜디오(2014) 등에서 레지던시 프로그램에 참여했다.
홍정표의 작품은 국립현대미술관 미술은행(2022)과 서울시립 북서울미술관(2015)에 소장되어 있다.
홍정표는 조각의 제작 과정에 내재한 반복과 집착을 통해 예술의 의미와 완성의 기준을 질문해 왔다. 그의 작업은 일상에서 발견한 사물과 행위를 출발점으로 삼으며, 실용적인 목적 없이 반복되는 행동이 예술적 실천과 어떤 관계를 맺는지 탐색한다.
2013년 작가노트에서 그는 현대미술이 기존의 감상 환경을 잃었을 때 어떤 역할을 할 수 있는지 질문하며, 일상적인 사물에서 기능을 제거하고 조형미와 의미만을 남기는 방식을 제시했다. 여기서 개인적인 만족을 위해 지속하는 무의미한 행위는 예술가가 작품을 제작하고 완성도를 추구하는 과정과 연결된다. 홍정표는 쓸모와 목적이라는 통상적인 기준을 조각에 적용하면서, 예술적 행위의 필요성과 가치를 되묻는다.
이러한 문제의식은 완벽한 형태를 만들려는 의지와 그 과정에서 발생하는 오류 사이의 관계로 구체화된다. 홍정표는 사물의 표면을 정교하게 가공하고 제작상의 결함을 수정하는 데 많은 노동을 들이지만, 그 노력이 반드시 계획한 결과로 이어지지는 않는다는 사실에도 주목한다.
2013년부터 이어온 ‘Hidden edge’ 연작은 이러한 모순을 보여주는 대표적인 사례다. 모서리에서 드러나는 재료의 단면을 감추기 위해 새로운 부재를 덧붙이는 과정은 또 다른 단면을 만들어내고, 작가는 이를 해결하기 위해 동일한 행위를 반복한다. 처음의 단순한 계획은 점차 복잡한 구조로 변형되며, 완성을 향한 노력 자체가 끝없는 수정의 원인이 된다. 홍정표는 이러한 과정을 통해 조각가의 의도와 통제를 벗어나는 형태의 가능성을 탐구한다.
조각의 완성에 대한 질문은 작품을 바라보는 관람객과의 관계로도 이어진다. 홍정표는 제작 과정에서 의도한 조형적 판단이 작품을 감상하는 사람에게 전혀 다르게 받아들여질 수 있다는 점에 관심을 기울인다.
2024년 개인전 《다르게 느끼는 우리》에서는 정교하게 마감된 표면과 제작의 흔적이 남아 있는 뒷면을 함께 드러내며, 창작자의 의도와 관람객의 해석이 어긋나는 상황을 살펴보았다. 작가가 완성했다고 판단한 형태 역시 보는 사람의 경험과 관점에 따라 새로운 의미를 얻을 수 있다. 이처럼 홍정표의 작업은 조각을 만드는 행위에서 출발해, 완성의 기준과 작품의 의미를 결정하는 주체에 대한 질문으로 확장된다.
홍정표의 조각은 선명한 원색과 매끄럽게 가공된 표면, 정교하게 맞물린 선과 모서리를 특징으로 한다. 그는 일상적인 사물과 산업적으로 생산된 재료를 활용하며, 캐스팅과 샌딩, 도색, 조립 등의 과정을 반복해 형태를 완성한다. 2005년의 ‘Artactually’ 연작에서는 고등어와 도넛처럼 익숙한 대상을 실제 크기로 복제하면서 사물의 형태와 물성을 조각적으로 재현했다.
특히 ‘Artactually-krispykreme’ 연작은 실제 도넛을 투명한 FRP로 캐스팅한 뒤, 재료의 특성으로 인해 발생한 불완전한 표면을 갈고 색을 입힌 FRP로 메우는 과정을 거쳐 제작되었다. 이처럼 홍정표의 작업에서 정교하게 마감된 외관은 반복적인 수작업과 수정의 결과이며, 제작 과정에서 나타나는 오류 역시 형태를 결정하는 중요한 요소로 작용한다.
‘Hidden edge’ 연작에서는 사물의 재현을 중심으로 한 제작 방식이 기하학적 구조의 구축으로 확장된다. 건축에서 거친 면과 면을 매끄럽게 연결하는 몰딩 기법을 응용하여, 재료의 단면을 감추기 위해 새로운 부재를 덧붙이고 그 과정에서 드러나는 또 다른 단면을 다시 가리는 규칙을 반복한다. 수평과 수직으로 교차하는 선, 다양한 각도로 돌출된 모서리, 두께가 다른 부재들이 연속적으로 결합하면서 구조는 점차 복잡해진다.
초기에는 육면체를 기반으로 한 입체적인 형태가 두드러졌으나, 이후 선적인 구성과 벽에 걸리는 부조로도 발전했다. 2021년 〈Hidden edge #101(단면을 감추다 #101)〉을 비롯한 작업에서는 이러한 구축 원리가 평면과 입체를 넘나드는 구조로 드러나며, 조각의 표면과 모서리 사이에 형성되는 공간을 부각한다.
홍정표는 조각의 구조와 주변 공간의 관계를 조절하는 방식으로 시각적 경험을 확장해 왔다. 2014년 〈무한주〉에서는 천장과 바닥에 반사율이 높은 슈퍼미러를 설치하고, 반복적인 선과 기둥 구조를 배치해 좁은 전시 공간이 수직으로 무한히 이어지는 듯한 효과를 만들었다. ‘Hidden edge’ 연작에서도 형태의 내부와 외부를 연결하는 선과 모서리의 배치는 관람객의 위치에 따라 서로 다른 깊이와 공간감을 만들어낸다.
2021년 〈Hidden edge #18(단면을 감추다 #18)〉에는 거울을 결합해 구조물의 실제 공간과 반사된 이미지를 중첩했으며, 〈No decision #002 ver.HE(노 디시전 #002)〉에서는 특수 안료로 표면을 덮어 내부의 구축 과정을 감추었다. 이러한 작업은 재료의 물리적인 두께와 표면의 시각적 효과를 활용해 조각이 차지하는 공간과 관람객이 인식하는 공간 사이의 관계를 탐색한다.
최근 작업에서는 건축적 구조와 기존 사물의 형태를 적극적으로 활용하며 조각의 설치 방식과 기능을 변형한다. 2024년 〈레르베리〉와 〈용도 없음〉은 각각 이케아 선반과 철제 파이프 걸이를 바탕으로 제작되었으며, 본래의 실용적인 기능을 벗어나 독립적인 조형물로 제시된다. 〈바닥이 더러워지는 것이 싫다〉에서는 조각을 지탱하는 좌대의 구조를 변형해 지지대와 작품 사이의 관계를 뒤바꾸고, ‘9번 불러오기’ 연작에서는 두께가 다른 몰딩을 결합하여 공간의 세 방향으로 뻗어나가는 구조를 탐색한다.
〈다르게 느끼는 우리〉에서는 병풍처럼 펼쳐진 형태의 앞면과 뒷면을 함께 노출하여 완성된 표면과 제작 과정의 흔적을 동시에 보여준다. 홍정표는 정교한 표면 처리와 구조적 결합을 지속하면서, 사물의 기능과 설치 방향, 관람객에게 드러나는 면을 변화시켜 조각의 표현 범위를 넓혀가고 있다.
홍정표는 2000년대 초반부터 조각의 제작 방식과 예술적 행위에 대한 질문을 중심으로 작업을 전개해 왔다. 초기 ‘Artactually’와 ‘Art is’ 연작에서는 일상 사물이나 대중적으로 익숙한 이미지를 캐스팅하여 복제하고, 그 과정에서 발생하는 오류를 반복적으로 수정하는 방식에 주목했다.
이러한 시도는 사물의 기능과 외형을 새롭게 인식하는 계기가 되었으며, 조각가의 숙련된 기술과 완성에 대한 강박을 함께 드러냈다. 2013년 캔 파운데이션의 오래된 집 재생 프로젝트에서 선보인 개인전 《정갈한 집》에서는 일상적인 사물과 무의미한 반복 행위를 통해 예술의 쓰임과 목적을 질문했다. 이 시기부터 홍정표는 제작 과정에서 발생하는 불완전함과 이를 보완하려는 행위를 작업의 주요 원리로 발전시켜 나갔다.
2013년 시작한 ‘Hidden edge’ 연작은 이러한 관심을 지속적으로 발전시킨 작업이다. 초기 〈Hidden edge〉(2013)는 육면체를 기본 구조로 삼았으며, 〈Hidden edge #2〉(2014)와 〈Hidden edge #3〉(2015)에서는 내부의 면과 모서리, 선적인 구축 방식이 점차 강조되었다. 〈Hidden edge #4〉(2016)는 조각의 받침대 구조를 활용했고, 〈Hidden edge #6〉(2018)부터는 벽에 걸리는 부조 형식으로 확장되었다.
구조와 설치 방식은 변화했지만, 모서리의 단면을 감추기 위해 부재를 반복적으로 덧붙이는 규칙은 계속 유지되었다. 2021년 313아트프로젝트 개인전 《제목없는 제목》에서는 이러한 원리를 바탕으로 ‘No decision’과 ‘Loading in 13 times’ 등의 작업을 선보이며, 조각의 표면과 공간, 제작 행위 사이의 관계를 한층 구체적으로 탐구했다.
홍정표의 작업은 조각의 전통적인 제작 원리를 재검토하는 동시에 한국 동시대미술의 다양한 전시 환경 속에서 소개되어 왔다. 2015년 서울시립 북서울미술관의 《타이틀매치: 금누리 vs 홍정표》에서는 서로 다른 세대의 조각가가 예술과 제작 방식에 관해 제기하는 질문을 함께 살펴볼 수 있었다.
2016년 탈영역우정국 개인전 《나도 가끔 내가 왜 이러나 싶다》에서는 예술의 완성에 대한 의문과 강박적인 제작 행위를 전면에 드러냈으며, 2018년에는 일본 교토의 HRD 파인아트에서도 개인전을 개최했다. 이처럼 공공 미술관과 독립 전시공간, 국내외 갤러리 등에서 활동하며 조각의 개념과 형식에 대한 실험을 이어왔다. 매끄럽게 마감된 표면과 불완전한 제작 과정의 모순은 서로 다른 전시 환경에서도 반복적으로 나타나는 그의 작업 특징이다.
최근에는 조각의 제작 원리를 유지하면서 작업과 관람객, 전시 공간 사이의 관계를 더욱 적극적으로 탐구하고 있다. 2023년 아트센터 예술의 시간에서 열린 《오프-타임》에서는 완성을 향한 의지가 반복적으로 어긋나는 과정을 담은 〈9번 불러오기〉를 선보이며, 생산성과 효율성에 대한 전시의 문제의식과 연결했다. 2024년 개인전 《다르게 느끼는 우리》에서는 산업적으로 제작된 사물과 건축적 구조를 활용하는 한편, 창작자의 의도와 관람객의 해석이 일치하지 않는 상황을 작품의 주요 관심사로 다뤘다.
이러한 변화에도 불구하고 홍정표의 작업에는 정교한 조형적 완성도를 추구하면서 그 과정에서 발생하는 오류와 불확실성을 받아들이는 태도가 일관되게 나타난다. 그는 조각의 제작과 감상, 공간에 대한 지속적인 실험을 통해 완성이라는 개념을 새롭게 검토하고 있다.
1.
성장, 진보, 혁신은 자본주의를 채택한 국가의 손쉬운 표어이다. 이는 주로 경제 수치로 구체화된다. IMF에서 매해 발표하는 경제 성장률은 전세계적인 위기를 제외하고는 언제나 플러스 성장을 전망해 왔다. 모든 국가는 경제 성장과 기술 혁신이 쾌적한 삶과 풍요로운 미래를 가져올 수 있다고 설파한다. 여기에 새로운 신념이 부상한다. 1970년대 대처리즘(Thatcherism)과 레이거노믹스(Reaganomics)로 대두된 신자유주의는 시장의 자율성과 효율성을 앞세우며 경쟁을 정당화한다.
마치 자본주의가 정상적으로 작동하기 위해서는 당연히 신자유주의가 요청된다는 듯이 말이다. 그것은 사회⋅정치⋅경제적 측면뿐 아니라 주체에게도 내면화되었는데, 피에르 다르도와 크리스티앙 라발은 이를 “새로운 세계합리성”이라고 정의한다. 신자유주의는 비교적 최근에 출현하였다는 점에서 새롭고, 전세계적으로 전면적인 영향을 미치고 있다는 점에서 세계적이다. 또한 우리의 행동을 구성하고 조직한다는 점에서 이데올로기나 경제 정책이기 전에 하나의 합리성이다.
오늘날 국가와 사회, 개인은 숙련되지 않고, 미성숙하고, 부족한 상태에서 숙련되고 성숙하고 완전한 상태로 나아간다는 진보 서사를 믿으며 단 한순간도 버릴 틈 없이 끊임없이 개발하고 계발해 나간다. 단 한 번의 실수도 용납되지 않는다. 삶에서 시간은 언제나 부족하고, 바쁨은 습관이 되었다. 우리 인생은 보이지 않는 손에 의해 이미 촘촘하게 설계되어 있는 것처럼 보인다. 걷기 시작할 때부터 죽음에 이를 때까지 개인의 삶은 이미 국가와 교육기관, 기업에 의해 계획되어 있다.
맬컴 해리스는 『밀레니얼 선언』에서 사회가 생산성 향상과 효율성 추구에 기반하여 새로운 유형의 노동자를 요청했다고 말한다. 밀레니얼 세대는 “생산성 향상의 엔진”으로서 경쟁을 내면화하여 높은 수준의 교육을 감내하고 감당할 수 없는 빚을 지며 기꺼이 자신의 역량을 갈고 닦는다. 그러나 일자리 안정성은 약화되었고 임금은 더욱 악화되었으며, 끝없는 경쟁에 스스로를 계속 내몬다.
한편, 개인은 남들보다 빠르게 고지를 선점하고 부러워할 만한 삶을 영위해야 한다고 믿는다. 삶의 모든 순간 일어나는 사건은 실시간으로 SNS로 공유된다. 서로가 서로의 취향을 탐닉하고 기호품은 어느새 필수품이 되어 소비를 조장한다. 삶의 기준은 나날이 높아지고 갖지 않은 것은 갖지 못한 것이 된다. 풍요가 문화로 정착되면 “현대화된 가난”이 찾아온다. 실제로는 가난하지 않더라도, 구입해야 할 상품이 늘어나면서 우리의 삶은 더욱 빈곤해진다.
‘완성된 개인’이라는 의미에서 ‘어른(성인)’이라는 개념은 세대에서 세대로 이행할수록 계속해서 지연된다. 결혼, 취업, 출산 등은 해가 거듭될수록 평균나이가 더 높아지고 있고, 지식의 확장은 인간 한계를 넘어서 범접할 수 없는 속도로 나아가고 있다. 이상적인 삶에 대한 바람은 곧 우월주의, 서열주의로 귀결되며, 그에 따라 정상/비정상, 어른/아이/노인, 장애/비장애, 인간/비인간 등을 구분 짓고 차별을 정당화하는 계기가 된다.
이미 높게 설정되어 있는 목표(완전성)에 도달하지 못한 개인의 불안은 그에 비례하여 더욱 커진다. 중산층의 재산, 건강한 신체, 유려한 외모, 남들보다 뛰어난 스펙, 완벽한 청결 등 사회가 요청하는 기준은 삶의 만족도를 떨어뜨리며, 개인을 계속 지연된 상태로 만든다. 충족되지 않는 기대에 도달하기 위해 개인은 시간과 몸을 혹사하며 살아간다. 모든 선택은 미래를 위한 선택으로서, 경쟁에서 이기기 위한 선택을 종용받는다. 우리에게 누구도 이러한 선택을 강제한 적은 없지만 그 밖의 선택지가 주어진 적은 없다.
2.
하먼 멜빌의 『필경사 바틀비』는 월 스트리트의 한 변호사 사무실에서 근무하였던 특이한 인물 바틀비에 관한 이야기를 담은 단편소설이다. 그는 자신이 맡은 필경 업무를 사무실의 그 누구보다도 완벽하게 이행한다.
하지만 어느 순간 상사인 변호사의 요청에 “저는 하지 않는 편을 선호합니다 I would prefer not to…”라는 독특한 거절의 표현으로 응답하기 시작한다. 우체국을 가는 사소한 일부터, 자신이 맡은 업무인 필경에 이르기까지 일관된 답변으로 응하다 해고에 이르지만, 그럼에도 그는 자신의 자리를 묵묵히 지킨다. 마침내 변호사는 사무실을 옮기는 강수로 대응하며 그를 두고 사무실을 떠난다. 바틀비는 변호사가 떠난 뒤에도 사무실에 머물다 수감되고 음식마저 거부하다 죽음에 이른다.
필경은 정확성과 성실함을 바탕에 둔 반복적인 업무이다. 이 단순 업무는 일말의 비판적인 사고도 요청하지 않는다. 사무실의 필경사들은 하나씩 하자를 가지고 있다. ‘칠면조’라는 별명을 가진 인물은 신경증이 있고, ‘펜치’라는 별명을 가진 인물은 소화불량이 있다. 바틀비는 누구보다 성실했지만, 이내 모든 일을 거부한다. 필경사는 신자유주의가 내면화된 현대인의 표상으로 볼 수 있다. 앞선 두 인물은 기존의 체제에 순응하면서 그로 인해 심리적이고 신체적인 질병을 겪지만 그 어떤 의문도 제기하지 않는다.
그러나 바틀비는 보다 근원적인 문제 – 그에게 주어진 전제 자체에 의문을 제기한다. 명령은 반드시 실현되어야 하는가? 그는 “하지 않는 편을 선호합니다 I would prefer not to…”라고 말함으로써 잠재성이 실현되지 않을 수 있는 가능성을 암시하며, 할 수 있는 잠재성과 하지 않을 수 있는 잠재성 사이의 결정 가능성 자체에 저항한다.
우리가 가진 잠재성이 신자유주의의 내면화된 주체로서 응당 실현해야 하는 비좁은 방식으로만 실현되어야 한다면 삶은 얼마나 획일적이고 무가치해질까? 제니 오델은 『아무것도 하지 않는 법』에서 관심경제가 만연한 현 세계에서 자본주의적 가치 체계를 인식하고 준거 기준을 거부하는 ‘그 자리에서의 저항’을 주장한다. 세계의 지배 체제에 저항하기 위해 외딴 곳에서 스스로 소외된 삶을 살기보다, 나의 관심이 화폐가치로 교환되는 상황을 거부하고 자본주의의 기준에서 소외된 것들에 관심을 가지기를 요청한다. 그것은 자본주의가 가속화하는 삶에서는 무가치한 것, ‘아무것도 하지 않음’으로 보인다. 바틀비는 하지 않을 수 있는 가능성을 보여준다.
3.
기획전 《오프-타임》은 신자유주의 내면화가 만연한 시대에 효율성 기계가 된 개인의 삶을 돌아보기를 제안한다. ‘오프-타임 off-time’은 기계가 돌아가지 않는 비작동 시간을 의미하는 단어이다. 이는 자본주의 생산체제에서 비효율적인 시간으로 간주되며, 이 시간을 줄일수록 사용자(기업가)의 이익은 증가한다. 전시는 자본주의에서 비효율적이고 비생산적이라고 치부되는 것을 긍정하고 작동 시간을 지연시키고, 반복하고, 중단시킴으로써 비작동 시간을 활성화해본다.
배윤환은 성장 본위의 세계에서 희생되는 인간과 동물의 삶을 암시하는 우화에 기반한 〈키득대는 빙하들〉과 〈일요신간도서〉를, 홍정표는 완전성에 도달하려는 의지가 미끄러지는 과정에서 유희를 찾는 〈9번 불러오기〉를 선보인다. 배윤환과 홍정표가 신자유주의의 내면화와 이를 극복하려는 태도를 보여준다면, 이민선과 강민숙은 현대사회에서 무의미하고 비생산적이라고 치부되는 종류의 것(돌봄노동, 일상의 관찰 등)에 관심을 기울이고 기존의 가치체계를 예술의 영역에서 다시 사유하고자 한다.
이민선은 〈알게 모르게〉, 〈의뢰인〉을 통해 의미와 무의미, 노동과 비노동, 생산성과 비생산성의 이분법적 구분에 의문을 제기한다. 강민숙은 〈담요 저항〉과 〈예술 노동 삶〉을 통해 자본주의 사회에서 평가절하 되는 돌봄과 예술 노동을 재고한다. SW기획(김방주, 한승우)는 공간 전체에 개입하는 작업 〈수고하셨습니다. 고생했어요. 들어가세요.〉를 선보인다. 모던하고 효율적인 공간 구성에 반하는 우연적이고 열린 전시 공간을 연출하기 위해 공사가 중단된 어떤 상태를 구현함으로써 잠재된 에너지를 보여준다.
《오프-타임》은 타의적으로 부과된 목표에서 탈선하고 기존의 가치체계를 재편하고 가속화된 삶을 의식적으로 멈춰보기를 제안한다. 정지 상태의 불완전성이 가져오는 높은 엔트로피 속에서 잠재성의 갈래는 오히려 무한해질 수 있음을 보여주고자 한다. 전시를 통해 사회의 관성을 거스르는 예술적 실천에서 새로운 삶-정치의 가능성을 엿볼 수 있기를 기대한다.
