정재연은 한국예술종합학교와 런던 첼시예술대학에서 순수미술을 전공했다. 개인의 기억과 역사인식, 미감, 정체성이 사회와 국가 속에서 형성되는 방식에 주목하며, 지역과 국가의 경계를 넘어 세계를 바라보고자 한다.
정재연은 갤러리더씨(2024), 청주미술창작스튜디오(2022), 서울시립미술관 SeMA 창고(2019) 등에서 개인전을 개최했다.
정재연은 영국 플로렌스 트러스트(2011, 2012), 서울대학교미술관(2015, 2018), 서울시립 난지미술창작스튜디오(2018), 대안공간 루프(2019), 대만 관두미술관(2020), 보안여관(2022), 청주미술창작스튜디오(2023) 등에서 열린 단체전에 참여했다.
정재연은 홍티아트센터(2026), 청주미술창작스튜디오(2022), 도쿄 아츠 앤 스페이스(2019), 서울시립 난지미술창작스튜디오(2018), 독일 ZK/U 예술·도시연구센터(2015), 대전테미예술창작센터(2014), 영국 플로렌스 트러스트(2011~2012) 등의 레지던시 프로그램에 참여했다.
정재연의 작품은 서울과 영국 런던의 개인 컬렉션에 소장되어 있다.
정재연은 개인과 집단의 관계를 장소라는 매개를 통해 탐구하며, 사회적으로 합의된 질서와 개인의 경험 사이에서 발생하는 균열에 주목한다. 작가에게 장소는 고정된 물리적 공간이 아니라 역사와 제도, 권력과 기억이 중첩되며 끊임없이 의미가 변화하는 영역이다.
초기 작업에서는 공공장소에 대한 개인의 개입을 통해 공간의 사용과 소유, 접근을 결정하는 권한이 누구에게 있는지 질문했다. 〈Howick Place〉(2010), 〈Opening Project〉(2013), 〈Dialogue〉(2014) 등의 작업은 동일한 장소가 개인의 사회적 위치와 상황에 따라 다르게 경험될 수 있음을 드러내며, 공적인 것과 사적인 것의 경계를 재고하도록 이끈다.
2016년을 전후하여 정재연의 관심은 물리적 장소에 대한 개입에서 장소에 축적된 기억과 역사적 서술의 문제로 확장되었다. 〈Retrace〉(2017)와 개인전 《Lost Corner》(2018), 《Lost Corner_Memory Archive》(2019)는 이러한 전환을 보여주는 작업이다. 작가는 일제강점기 조선총독부 청사에서 국립중앙박물관으로 용도가 바뀌었다가 철거된 건축물을 자신의 유년기 기억을 통해 다시 바라본다.
식민지배의 상징으로 규정된 건물에 대해 어린 시절 느꼈던 미적 매혹은 공식적인 역사 인식과 충돌하며, 개인의 취향과 정체성이 사회적 가치관 안에서 어떻게 형성되는지 질문하게 한다. 이 과정에서 기억은 과거를 있는 그대로 보존하는 기록이 아니라, 망각과 선택, 해석을 거쳐 끊임없이 재구성되는 대상으로 나타난다.
이러한 문제의식은 역사적 사실을 구성하고 전달하는 체계에 대한 탐구로 이어진다. 〈K-93〉(2022)은 대동여지도 제작자 김정호를 둘러싼 신화가 시대에 따라 서로 다른 정치적·문화적 의미를 부여받으며 재생산된 과정에 주목한다. 정재연은 역사적 사실로 받아들여진 이야기가 특정한 목적과 관점에 의해 구성될 수 있음을 드러내며, 집단적 기억의 형성과 전달 방식을 재검토한다.
개인전 《Made-to-Measure》(2023)에서는 이러한 질문을 지도와 경계의 개념으로 확장한다. 세계를 객관적으로 재현하는 기준처럼 여겨지는 지도 역시 제작자의 관점과 시대적 조건에 따라 달라진다는 점에서, 작가는 국가와 지역을 구분하는 표준의 불완전성을 살피고 그 안에서 자신의 문화적 정체성을 새롭게 정의하고자 한다.
최근에는 사회와 역사를 향하던 질문이 변화하는 시대를 살아가는 예술가 자신의 존재와 창작의 조건으로 이어지고 있다. 개인전 《Melancholia_40s》(2024)에서 정재연은 알브레히트 뒤러의 〈멜랑콜리아 I〉(1514)을 참조하여 급격한 기술 발전 속에서 창작자가 경험하는 불안과 위기의식을 탐색한다. 이는 단순한 기술 변화에 대한 두려움을 넘어, 오랜 시간 축적해 온 지식과 미감, 창작의 태도가 새로운 환경에서도 유효할 수 있는지에 관한 질문이다.
이처럼 정재연의 작업은 개인의 경험에서 출발해 장소와 역사, 공동체의 구조를 살피고 다시 자기 자신에게 돌아오는 탐구의 과정을 보여준다. 작가는 사회적으로 주어진 기준을 그대로 수용하기보다 그 안의 모순과 불확실성을 드러내며, 개인과 세계의 관계를 새롭게 이해할 가능성을 모색한다.
정재연은 특정 매체나 조형 언어에 자신을 한정하기보다 작업의 대상과 상황에 따라 적절한 형식을 탐색한다. 초기 작업에서는 공공장소에 일상적인 사물이나 행위를 개입시켜 익숙한 환경에 미세한 변화를 일으키는 방식을 주로 사용했다. 〈Howick Place〉(2010)에서는 런던의 골목에서 교통표지판을 들고 서 있는 퍼포먼스를 통해 시간대와 이용자에 따라 달라지는 장소의 풍경을 드러냈으며, 〈Dialogue〉(2014)에서는 조명의 밝기를 조절할 수 있는 테이블을 설치하여 공간을 공유하는 개인들 사이의 관계를 실험했다.
이처럼 작가는 완결된 조형물을 제시하기보다 관객의 반응과 참여에 따라 의미가 달라지는 상황을 구성한다. 작은 개입을 통해 공간의 기존 질서를 낯설게 만들고, 그 안에서 발생하는 예상치 못한 반응을 작업의 일부로 수용하는 것이 초기 작업의 특징이다.
장소에 대한 개입은 반복적인 신체 행위와 사물의 재배치를 통해서도 이루어진다. 〈7/24〉(2011)에서 정재연은 낯선 레지던시 환경에 적응하기 위해 시멘트 블록을 매일 제작하고 쌓아 올리는 행위를 수행했다. 단순한 노동의 반복은 시간이 축적되는 과정이자 개인이 공간과 관계를 맺는 수행적 실천으로 전환된다.
이후 〈St. Saviour’s Emergency Private Shelter〉(2012)에서는 동일한 시멘트 블록을 활용해 가상의 개인 대피소를 구성하고 광고 영상을 제작함으로써 장소의 역사와 사용 목적을 새롭게 상상했다. 이러한 작업에서 일상적인 재료는 그 자체의 조형적 특성보다 배치되는 장소와 맥락에 따라 의미가 변화하는 매개체로 기능한다. 작가는 사물의 용도를 전환하거나 기존 환경에 작은 균열을 만들어, 관객이 공간의 익숙한 기능과 질서를 다시 인식하도록 유도한다.
2016년 이후에는 현장에서 이루어지는 일시적인 개입에서 벗어나 판화, 영상, 설치와 아카이브를 결합하는 장기적인 리서치 기반의 작업으로 표현 방식을 확장했다. 〈Retrace〉(2017)에서는 동판화 기법을 통해 기억 속 건축물을 복원하고, 건축 이미지와 과거의 도서 대출 기록을 병치하여 개인의 미감이 형성된 과정을 추적했다. 이후 《Lost Corner》(2018)와 《Lost Corner_Memory Archive》(2019)에서는 에칭과 영상 프로젝션, 인터뷰와 역사 자료 등을 활용해 사라진 건축물을 둘러싼 서로 다른 기억을 시각화했다.
특히 3채널 영상 설치작품 〈Memory Archive〉(2019)는 서로 다른 화자들의 목소리와 기록을 교차시키며 단일한 서사로 수렴되지 않는 역사의 다층성을 드러낸다. 이 시기의 작업에서는 초기의 위트와 상황적 역전 대신 서로 다른 자료와 이미지의 병치가 주요한 표현 방식으로 자리 잡으며, 관객이 그 사이의 불일치와 간극을 스스로 해석하도록 이끈다.
최근 작업에서도 정재연은 판화의 물질성과 새로운 매체의 가능성을 함께 탐색하며 표현의 범위를 넓혀가고 있다. 〈K-93〉(2022)은 종이에 인쇄한 90점의 레터프레스 작업에 전동 레일과 모터, 목재를 결합한 설치작품으로, 역사적 기록을 재검토하는 과정에 기계적 장치를 도입했다. 개인전 《Made-to-Measure》(2023)에서는 지도를 해체하고 재구성하는 방식을 통해 기존의 표준과 경계를 새로운 시각적 질서로 전환하고자 했다.
《Melancholia_40s》(2024)에서는 알브레히트 뒤러의 판화에서 출발하여 판화, 오브제, 설치 등 서로 다른 형식의 신작 8점을 선보였다. 이처럼 정재연은 작업마다 새로운 기법과 재료를 익히고 활용하며, 조사와 제작, 수행과 기록의 과정을 유기적으로 연결한다. 그의 작업에서 매체는 미리 정해진 표현 수단이 아니라 탐구하는 대상에 따라 선택되고 변화하는 실험의 도구로 기능한다.
정재연의 작업은 동시대 공공미술과 장소특정적 실천을 기반으로 출발하여, 역사적 기억과 문화적 정체성을 탐구하는 리서치 기반의 시각예술로 확장되어 왔다. 영국 유학과 해외 레지던시를 통해 작업을 전개하기 시작한 작가는 일상의 공공장소를 예술적 실험의 현장으로 삼으며, 공간을 둘러싼 사회적 관습과 제도적 권한을 질문했다.
특히 아르코미술관의 담장을 철거한 공동 프로젝트 〈오프닝 프로젝트〉(2013)와 대전테미예술창작센터에서 선보인 〈Dialogue〉(2014)는 공공 공간의 사용과 접근을 둘러싼 문제를 실제 장소의 변화와 참여자의 경험으로 연결한 사례다. 이러한 활동은 완결된 예술적 대상을 제시하기보다 장소에 개입하고 관계를 형성하는 과정 자체를 작업으로 삼는 동시대 미술의 흐름과 맞닿아 있다.
2016년을 전후한 작업의 변화는 정재연의 예술적 관심이 달라졌다기보다 기존의 질문이 보다 깊은 역사적·문화적 차원으로 확장된 과정으로 볼 수 있다. 초기의 작업이 물리적 공간에서 공공성과 사적 경험의 경계를 드러냈다면, 이후에는 집단적 기억과 개인의 역사 인식이 형성되는 과정으로 탐구의 무게중심이 이동했다.
〈Retrace〉와 《Lost Corner》(2018), 《Lost Corner_Memory Archive》(2019)로 이어지는 작업은 하나의 역사적 건축물에서 출발한 개인의 기억을 공적 기록과 타인의 증언으로 확장하며 장기적인 연구 프로젝트로 발전했다. 이 과정에서 작가는 관객에게 명확한 결론을 전달하기보다 서로 다른 기록과 해석을 나란히 제시하고, 그 사이의 불일치를 스스로 살펴보도록 한다. 물리적 장소에 대한 개입에서 역사적 서사에 대한 개입으로 대상은 변화했지만, 당연하게 받아들여지는 질서에 질문을 던지는 태도는 지속되고 있다.
정재연의 작업 지형은 국내외 여러 지역의 레지던시와 전시 경험을 통해서도 확장되어 왔다. 영국 플로렌스 트러스트와 오스트리아 그라츠의 레지던시에서 시작된 장소에 대한 실험은 대전테미예술창작센터, 서울시립미술관 난지미술창작스튜디오, 청주미술창작스튜디오 등 서로 다른 지역과 제도적 환경에서 이어졌다. 특히 레지던시의 공간적 조건과 역사, 이용자의 경험은 작품 제작을 위한 배경에 머무르지 않고 새로운 질문을 발견하는 계기가 되어 왔다.
작가는 2019년 도쿄 아츠 앤 스페이스의 교환 프로그램과 2026년 홍티아트센터 레지던시 등 국내외 창작 환경을 지속적으로 경험하며 활동의 범위를 넓혀가고 있다. 이러한 이동과 교류의 경험은 특정 지역이나 단일한 문화적 관점에 머무르지 않고 서로 다른 장소의 역사와 사회적 맥락을 비교하고 탐구하는 작업 태도와 연결된다.
최근의 작업에서도 정재연은 시대와 환경의 변화 속에서 익숙한 기준을 새롭게 검토하는 태도를 유지하고 있다. 〈K-93〉(2022)에서는 역사적 사실로 통용되는 이야기의 형성 과정을 살펴보고, 《Made-to-Measure》(2023)에서는 지도를 통해 세계를 구분하고 이해하는 표준의 한계를 탐색했다. 《Melancholia_40s》(2024)는 이러한 질문을 기술의 발전과 창작 환경의 변화 속에서 예술가 자신이 경험하는 불안과 정체성의 문제로 확장한다. 정재연은 일관된 조형 양식을 확립하기보다 그때그때 마주하는 의문에 따라 새로운 매체와 방법을 익히고, 작업의 방향을 수정해 왔다.
그의 작업에서 지속성을 이루는 것은 특정한 소재나 표현 형식이 아니라, 이미 합의된 사실과 익숙한 관습을 의심하고 그 이면의 다양한 관점을 드러내려는 태도다. 이처럼 정재연의 예술적 실천은 변화하는 세계와의 관계 속에서 스스로의 위치를 끊임없이 재설정하며 이어지고 있다.
우리는 종종 계획되지 않은 순간에 가장 중요한 것을 발견한다.
의도하지 않았던 만남, 예상하지 못한 감각, 설명할 수 없는 끌림. 이러한 우연의 순간들은 창작의 방향을 바꾸고, 때로는 전혀 새로운 질문을 만들어낸다. 홍티 레지던시는 이 ‘우연’을 창작의 중요한 조건으로 바라본다.
이곳에서의 시간은 결과를 생산하기 위한 과정이라기보다, 낯선 환경과 마주하고 흔들리며 감각을 다시 구성해가는 하나의 흐름에 가깝다.
《Serendipity: 우연이 의미가 되는 순간》은 입주작가들이 이 공간에서 경험한 우연의 순간들을 따라가는 전시이다.
각 작가는 서로 다른 방식으로 환경과 관계를 맺고, 예측할 수 없는 계기를 통해 작업의 방향을 확장해 나간다. 이 과정에서 우연은 단순한 사건이 아니라, 새로운 의미를 생성하는 계기로 작동한다. 입주작가 이음전은 하나의 흐름 속에서 이어지며, 각 작가의 작업은 서로 다른 위치에서 ‘의미가 생성되는 순간’을 구성한다.
결국 이 전시는 하나의 질문으로 귀결된다.
우연은 어떻게 의미가 되는가.
그리고 우리는 그 순간을 어떻게 감각하고, 작업으로 이어가는가.
홍티에서의 시간은 그 질문에 대한 서로 다른 응답들로 이루어져 있다.
