개인전 (요약)

이요나는 2025년 시드니 파인 아트 시드니에서 열린 《Wall, Floor, Ceiling》을 비롯하여, 《공간 배치 서울》(아트선재센터, 서울, 2024), 《An Arrangement for 5 Rooms》(오클랜드미술관, 오클랜드, 2022), 《Kit-set In-transit》(파인 아트 시드니, 시드니, 2021), 《In transit》(웰링턴시립미술관, 웰링턴, 2018–2019) 등 국내외 주요 기관에서 개인전을 개최하며 도시 공간과 건축 구조에 대한 탐구를 조형적 언어로 확장해왔다.

그룹전 (요약)

이요나는 벅스턴 컨템포러리(멜버른, 2024), 아트선재센터(서울, 2023), 더니든공공미술관(더니든, 2022), 부산비엔날레(2020), 리옹비엔날레(2019), 성곡미술관(서울, 2016), 창원조각비엔날레(2016) 등 다수의 국제 미술관 및 비엔날레에서 설치 작업을 선보이며 공공 공간과 조각의 개념을 확장하는 프로젝트를 이어왔다.

수상 (선정)

이요나는 OCI YOUNG CREATIVES(2016–2017), 대안공간 루프 신진작가상, 퀵 리스폰스 그랜트(크리에이티브 뉴질랜드, 2015–2016), 아트 그랜트(아시아 뉴질랜드 재단 및 크리에이티브 뉴질랜드), 투이 맥라클런 아트 어워드(2014), 일람 미술학교 유니버시티 시니어 프라이즈(2009) 등을 수상하였다.

레지던시 (선정)

이요나는 아트스페이스 스튜디오 레지던시 프로그램(2026), 얀 반 에이크 아카데미(네덜란드, 2021–2022), 고벳-브루스터 미술관(뉴질랜드, 2020), 서울시립미술관 난지창작스튜디오(2016), 금천예술공장(2016) 등의 국내외 주요 레지던시에 입주하며 장소특정적 조형 언어를 정교화해왔다.

작품소장 (선정)

이요나의 작품은 뉴질랜드 국립박물관 테 파파 통가레와에 소장되어 있다.

주제와 개념

이요나의 작업은 인간이 살아가는 공간과 그 안에서의 이동, 거주, 그리고 일상의 경험을 탐구하는 데서 출발한다. 작가는 부산에서 태어나 어린 시절 뉴질랜드로 이주한 개인적 경험을 바탕으로 서로 다른 문화적 환경과 공간 감각 사이를 오가며 형성된 감각을 작업의 중요한 토대로 삼는다. 한국과 뉴질랜드라는 두 도시를 오가는 삶은 공적 공간과 사적 공간, 이동과 정주, 낯섦과 익숙함 사이의 긴장을 경험하게 했고, 이러한 경험은 그의 작업에서 공간과 인간의 관계를 탐색하는 핵심적인 문제의식으로 이어진다.
 
이요나의 설치 작업은 특히 ‘이동(in transit)’이라는 개념을 중심으로 전개된다. 2016년 서울 대안공간 루프에서 시작된 ‘In Transit’ 시리즈는 현대 사회에서 이동과 연결이 일상이 된 삶의 조건을 반영한다. 기차와 비행기, 도시의 교통 시스템, 복잡한 인프라 구조 등은 인간이 시간과 공간을 인식하는 방식을 바꾸어 놓았으며, 작가는 이러한 변화 속에서 인간이 경험하는 물리적·심리적 이동 상태를 공간적 구조로 시각화한다.
 
그의 작업에서 공간은 단순한 배경이 아니라 인간의 경험을 조직하는 구조적 장치로 작동한다. 스테인리스 스틸 튜브로 이루어진 구조물은 도시의 배관, 교통 손잡이, 난간, 표지판 등 공공 인프라를 연상시키며, 그 사이에 놓인 침대, 의자, 램프, 우산과 같은 일상 오브제들은 인간의 생활 환경을 암시한다. 이러한 요소들은 개인의 사적인 삶과 도시의 공공 공간이 서로 교차하는 지점을 드러내며, 우리가 살아가는 환경이 얼마나 다양한 구조적 시스템 속에서 구성되는지를 환기한다.
 
결국 이요나의 작업은 특정 장소를 재현하기보다는 인간이 살아가는 공간의 조건을 재구성하는 데 가깝다. 이동과 정주, 공적 영역과 사적 영역, 기능성과 무용성 사이의 경계를 가로지르며 그의 작업은 현대 도시 환경 속에서 인간의 존재 방식과 정체성을 질문한다.

형식과 내용

이요나의 작업은 스테인리스 스틸 튜브 구조와 일상 오브제를 결합한 설치 형식으로 잘 알려져 있다. 작가는 금속 튜브를 절단하고 구부리고 용접해 벽, 바닥, 천장 사이를 가로지르는 구조를 만들며, 이러한 구조는 때로는 미로처럼 공간 전체를 점유한다. 직선과 곡선이 반복적으로 이어지는 금속 구조는 건축적 질서와 조각적 리듬을 동시에 형성하며, 관람객이 공간을 이동하며 경험하도록 유도한다.
 
이러한 구조 속에 배치되는 오브제들은 대부분 일상에서 흔히 볼 수 있는 사물들이다. 의자, 침대, 선풍기, 램프, 샤워 커튼, 버스 손잡이와 같은 물건들은 작품 안에서 기능적이면서도 동시에 낯선 조형적 요소로 작동한다. 이러한 오브제들은 공간 속에서 마치 구조물에서 자라난 것처럼 보이거나, 혹은 시스템의 일부처럼 배치되며 작품 전체를 하나의 환경으로 만든다.
 
작가는 어린 시절 첼로 연주자로 훈련받은 경험을 가지고 있으며, 이러한 음악적 경험은 그의 작업 형식에도 중요한 영향을 미친다. 금속 튜브가 공간을 가로지르며 만들어내는 선들은 악보의 오선처럼 보이기도 하고, 그 위에 놓인 오브제들은 음표처럼 읽히기도 한다. 그러나 작가에게 음악은 단순한 시각적 은유가 아니라 작곡가와 연주자, 그리고 공간과 관객 사이의 관계를 이해하는 방식과도 연결된다.
 
이러한 관점에서 이요나의 작업은 단순한 조각 설치라기보다 일종의 공간적 퍼포먼스 구조에 가깝다. 작품은 관람객의 움직임과 사용 가능성을 내포하며, 때로는 의자에 앉거나 공간을 통과하는 행위를 통해 관람자가 작품의 일부가 되기도 한다. 이처럼 그의 작업은 조각, 드로잉, 건축, 퍼포먼스 사이를 넘나들며 복합적인 공간 경험을 만들어낸다.

지형도와 지속성

이요나의 작업은 특정 장소에 반응하는 설치 작업이라는 점에서 장소특정적 성격을 강하게 지닌다. 작가는 작품을 제작하기 전 공간의 구조를 면밀히 분석하고, 컴퓨터 드로잉을 통해 건축 구조와 자신의 설치 작업이 어떻게 연결될지를 계획한다. 이러한 과정은 건물의 벽, 천장, 계단, 창문 등 기존 건축 요소를 작품의 일부로 전환시키며, 공간 전체를 하나의 조각적 환경으로 변화시킨다.
 
이러한 작업 방식은 그가 지속적으로 발전시켜 온 ‘In Transit’ 시리즈에서 가장 분명하게 드러난다. 이 시리즈는 공간과 이동, 그리고 인간의 생활 환경을 연결하는 구조적 언어를 구축해 왔다. 뉴질랜드와 한국을 오가며 작업해 온 작가에게 도시의 교통 시스템과 인프라 구조는 인간이 살아가는 환경의 보편적인 형태로 인식되며, 이는 그의 작업에서 반복적으로 등장하는 핵심적인 모티프가 된다.
 
또한 이요나의 작업은 기능성과 조형성 사이의 긴장을 지속적으로 탐구한다. 작품 속 오브제들은 실제로 사용 가능한 것처럼 보이지만 때로는 접근할 수 없거나 기능이 제한된 상태로 놓인다. 이러한 장치는 관람객에게 공간의 사용 방식과 규범을 다시 생각하게 만들며, 우리가 일상적으로 따르는 공간의 규칙을 낯설게 만든다.
 
결과적으로 이요나의 작업은 도시 환경과 인간의 삶이 만들어내는 복합적인 시스템을 드러내는 일종의 공간적 지도와도 같다. 다양한 장소와 전시 환경 속에서 형태를 달리하면서도, 스테인리스 스틸 구조와 일상 오브제의 결합이라는 언어는 그의 작업 전반에 걸쳐 지속적으로 유지된다. 이러한 지속성과 변주는 이요나의 작업이 구축해 온 독자적인 조형 언어이자, 현대 도시 환경을 사유하는 하나의 방식이라 할 수 있다.