개인전 (요약)

박다솜이 개최한 개인전으로는 《매달린 그림》(에이라운지 컨템포러리, 서울, 2025), 《네 장》(봄화랑, 서울, 2024), 《로맨틱 맥시마》(플레이스막2, 서울, 2024), 《납작한 불》(갤러리SP, 서울, 2023), 《드라이브》(갤러리2, 서울, 2023) 등이 있다.

그룹전 (요약)

또한 박다솜은 《Shifting Scenes》(APOproject, 서울, 2025), 《지금의 화면》(금호미술관, 서울, 2024), 《The Original Face》(라흰갤러리, 서울, 2024), 《세 개의 구멍》(에브리아트, 서울, 2023), 《Random Pages》(갤러리SP, 서울, 2022), 《하나의 점, 모든 장소》(금호미술관, 서울, 2021) 등 다수의 단체전에 참여했다.

수상 (선정)

박다솜은 2022년 금호영아티스트에 선정된 바 있다.

레지던시 (선정)

박다솜은 2019년부터 2021년까지 금호창작스튜디오 15기 입주작가로 활동했다.

주제와 개념

박다솜의 작업은 ‘몸’을 물질로 이해하는 데서 출발한다. 여기서 몸은 고정된 정체성이 아니라, 시간과 중력, 환경에 의해 불가항력적으로 변형되는 존재다. 작품 〈Between Trees〉(2018), 〈잠수함 안에서〉(2019), 〈식당〉(2020) 등에서는 인간, 사물, 곤충의 몸이 서로 치환되고 뒤섞이며 구체성을 잃어간다. 몸은 더 이상 인물의 재현이 아니라, 기울기와 곡선, 덩어리로 환원된다. 이 시기의 화면은 꿈의 장면처럼 보이는데, 이는 작가가 상실과 노쇠에 대한 두려움을 직접적으로 재현하기보다 ‘망각’이라는 꿈의 조건을 통해 우회하고자 했기 때문이다.
 
작가는 특히 사랑하는 이들의 노쇠 과정을 바라보며 몸의 변형을 상실로 받아들이지 않기 위한 방법을 모색해왔다. 작가 노트에서 언급하듯, 꿈은 변형과 왜곡이 죄값을 요구하지 않는 공간이다. 이러한 인식은 〈좁은 곳〉(2020)과 같은 작업에서 폐쇄된 공간 속 몸의 변형을 탐구하는 방식으로 이어진다. 몸은 기대고, 놓이고, 치환되며 점차 자율성을 잃어가지만, 동시에 완전히 소멸하지도 않는다. 해체와 생성이 동시에 가능한 상태가 유지된다.
 
이러한 사유는 첫 개인전 《검은개의 집》(플레이스막2, 2021)에서 ‘기울기’라는 개념으로 구체화된다. 화면 속 모든 인물과 사물은 동일하게 기울어진 상태를 취한다. 이는 휘어진 노인의 몸에 덧씌워진 부정적 의미를 제거하고, 기울기를 보편적 조건으로 환원하는 시도였다. 몸의 변형은 결함이 아니라 세계의 구조가 된다. 이때 기울기는 위계를 지우는 장치이자, 비선형적 세계 인식의 은유로 작동한다.
 
이후 《몸의 기술》(금호미술관, 2022)과 《Drive》(갤러리2, 2023)를 거치며 작가의 관심은 감정에서 원인으로 이동한다. 〈스모킹〉(2022), 〈나쁜 사진〉(2022)에서 롤러코스터의 곡선은 주름진 몸의 형상과 겹쳐진다. 슬픔이나 우울 같은 감정 대신, 시간과 중력이라는 구조적 조건이 전면에 놓인다. 몸은 더 이상 정서의 매개가 아니라, 물리적 힘이 새겨진 표면이 된다.

형식과 내용

박다솜의 회화는 오랫동안 종이의 물성 위에서 전개되었다. 종이를 찢는 행위로 시작해 크랙을 그리며 마무리하는 방식은, 회화를 계획된 구성보다 물질의 흐름에 맡기려는 태도를 드러낸다. 종이의 결을 따라 찢긴 가장자리, 균열이 생긴 표면, 우연한 번짐은 화면의 일부가 된다. 이는 회화를 이미지 재현의 장이 아니라, 물질이 반응하는 과정의 기록으로 이해하는 태도와 맞닿아 있다.
 
《Drive》 이후 작업에서는 중력과 시간이라는 물리적 조건이 형식적으로도 반영된다. 곡선은 단순한 형태가 아니라, 반복되는 상하 운동의 궤적이며, 주름의 구조다. 이 시기 회화는 점점 감정의 서사에서 벗어나 건조해진다. 몸은 상징이 아니라, 구조를 드러내는 도형에 가까워진다.
 
최근에는 종이의 한계를 인식하면서 천의 유연한 물성으로 확장된다. 〈잘린 그림〉(2024), 〈낭만적인 동물〉(2024)에서는 젯소로 평탄화된 ‘하얀 바탕’이 아닌, 벽에 붙은 천의 주름과 테이프 자국, 늘어짐 자체가 이미지의 출발점이 된다. 천의 접힘과 명암을 따라 그린 결과, 화면은 하나의 생명체처럼 보이기 시작한다. 회화는 지지체 위에 그려진 이미지가 아니라, 지지체와 이미지가 분리되지 않는 상태로 이동한다.
 
이 흐름은 《매달린 그림》(에이라운지 컨템포러리, 2025)에서 극대화된다. 캔버스는 단단히 고정되지 않고 강선에 의해 당겨진 채 중력과 온도, 마찰에 반응한다. 천의 말림, 테이프의 이탈, 처짐은 우연이 아니라 회화의 일부가 된다. 〈악몽을 꾸고 있는 그림〉(2025)과 같은 작업에서 회화는 하나의 ‘몸’으로 경험된다. 회화는 더 이상 벽에 걸린 평면이 아니라, 환경과 상호작용하는 유연한 신체다.

지형도와 지속성

박다솜의 작업은 동시대 회화에서 신체를 다루는 여러 경향과 겹쳐 보이지만, 감정의 서사나 사회적 상징에 집중하기보다 ‘몸을 물질로 환원’하는 데서 차이를 보인다. 노쇠, 주름, 기울기와 같은 요소를 비극적 서사로 확장하지 않고, 시간과 중력이라는 물리적 조건으로 재구성한다는 점에서 독자적인 방향을 형성한다. 이는 감정의 과잉 대신 구조를, 상징 대신 상태를 탐구하는 태도다.
 
또한 회화를 지지체와 분리된 이미지로 보지 않고, 지지체의 물성과 동일선상에서 다루는 점 역시 특징적이다. 종이의 결, 천의 주름, 매달린 캔버스의 장력은 단순한 형식 실험이 아니라 ‘그림의 몸’을 구성하는 조건으로 다뤄진다. 이 점에서 그의 회화는 회화 내부의 문제를 다루면서도, 신체에 대한 사유와 분리되지 않는다.
 
시간의 흐름에 따라 작업은 꿈의 서사에서 출발해 기울기라는 개념으로 정리되고, 다시 물리적 조건으로 이동해, 최근에는 회화 자체의 신체성으로 확장되어 왔다. 개념은 점점 단순해졌지만, 형식은 오히려 복합해졌다. 감정의 밀도는 낮아졌으나, 물질의 밀도는 높아졌다.
 
앞으로의 작업 역시 특정 주제를 확장한다기보다, 회화라는 매체 안에서 몸과 물질의 관계를 지속적으로 조정해가는 과정에 가까울 것이다. 기울기와 주름, 장력과 중력이라는 어휘는 여전히 유효하지만, 그것이 어떤 형식으로 나타날지는 고정되어 있지 않다. 박다솜의 회화는 이미 하나의 세계를 구축했다기보다, 물질과 함께 계속해서 변형 중인 상태로 존재하고 있다.